Light Pupil Dilate - Interview

1 – With this new wave of insane, complex and technical Mathcore / Tech-Metal with Progressive and Jazz influences, aren’t you scared that Light Pupil Dilate can be labelled as “just one more trying to jump into the train”? How would you say LPD differs from the rest of those bands and what do you to have to offer?
Our music isn’t too complex and technical. We focused more on writing cohesive songs for Snake Wine, rather than just playing a bunch of cool sounding parts together. Snake Wine is really just a rock record w/ some teched out drums. A lot of the bands that play techmetal type stuff are METAL dudes. Eric and I are definitely not metal dudes. A good bit of the stuff we listen to is not metal. We just get hyped and pissed and what we write ends up being heavy, and Mr. Metal Mike Green constructs metal beats for the rock songs we write. It seems to work out well that way. Both Eric and I are pretty snotty and sarcastic, and you can see that in our lyrics.

2 – Are you satisfied with this new album, the songs, the recording process, production, final product?
We love this album and the songs. We can’t wait to put out the next one. The final product’s pretty awesome too, except that the distributor put a big fat ugly sticker over half of the cover art, which is pretty fucking stupid.

3 – There is a wide range of genres mixed up here and it seems that you have influences from several musical styles (Metal, Punk, Progressive, Post-Rock, etc) and bands like Sepultura, Slayer, Mastodon, King Crimson, Jesus Lizard, Fugazi, Man Or Astroman?, Dysrhythmia, Don Caballero, Converge, etc. What kind of bands do you listen and influence you to write music for LPD?
I like bands with strong bass presence, Eric likes bands with strong guitar presence, and Green likes bands with strong drum presence. We fight and play against each other to make our music. We listen to SOOOOOOOOOOOOOO many bands collectively, it’s hard to say. This week I’ve listened to Morphine, Techno Animal, Joy Division, Swervedriver, The Birthday Party, Helmet, Shiner, Seam, Arcwelder, 16 Horsepower, Mermen, Nels Cline, Godflesh, Deep Turtle, Demilich, and Wayne Shorter. I think I heard Eric listening to Schplongle, Berlin, and Panda Bear this week. Mike Green said he likes Gorillaz to me the other day. I think we’re all enamoured by the masterful songcrafting of Right Said Fred, that queen can write a song! We listen to and consume a ton of music, but it really doesn’t affect our writing very much. Songs just ooze out slowly like puss from an open wound. LPD is a big infected scabby mess of sound.

4 – Lifeforce Records is a label more focused on Thrash / Death / Metalcore, but they started to expand their catalogue signing a different array of bands like LPD. How did you ended up signing with Lifeforce?
Drew from Lifeforce America came and saw one of our arena shows in south Georgia, either in Griffin or Peachtree City. He was blown away by the huge amount of people there to see us, who were all moshing and singing all the words to all the songs… before the album was even released. He was blown away by the fact a small band like us has such a huge following with such die-hard fans and knew we’d be a cash-cow ripe for exploitation.

5 – What kind of subjects influenced you to write the lyrics for “Snake Wine”?
My lyrics half based on personal/life experiences and half abstract and weird. Eric’s are probably the same, but his lyrics tend to be a bit more abstract than mine. All the lyrics are very personal and very dark. We don’t write happy lyrics.

6 – The cover artwork for this record is quite enigmatic. Who is responsible for the front cover and what does it mean? Is it connected somehow with the lyrics?
The front cover is a snake skull was drawn up by an old roommate. The whole album has a snake motif, “Snake Wine”. Snake Wine is fucking menacing and creepy… which parallels a lot of the style of music we write and play, we thought it’d be a perfect title. And it is totally fitting. Snake Wine is liquor that Vietnamese folks cut open live snakes and bleed them into the booze, then stuff the body of the snake in the bottle.

7 – Do you have a tour prepared to promote the record?
We went on a DIY tour of the east coast/Midwest USA with another Lifeforce band Harlots, last fall. We’re working on another DIY tour for the US again this spring, and hopefully we’ll be hitting Europe this fall if everything works out right. Cross your fingers.

8 – One final question. Why “Light Pupil Dilate”?
Cause we fuckin’ rule, that’s why!

9 – You have now some space for a final message.
Body Massage.
http://www.youtube.com/watch?v=Ww3GTNv9hHk
Seriously. Body Massage MACHINE.

www.myspace.com/lightpupildilate / http://www.lifeforcerecords.com/

Questions: RDS
Answers: M. Chvasta

Anti-Demos-Cracia - 18 anos depois!

18 anos depois, a Anti-Demos-Cracia (1990-1994) está de volta às edições.

Fevereiro (já disponível): Título Póstumo ao vivo no Porto em 1988.
Março: dois concertos dos Título Póstumo em Coimbra, registados também no ano de 1988.
Abril: está agendada uma compilação com projectos Portugueses.

E mais há-de vir...

Informações e downloads gratuitos de novidades e material raro: http://antidemoscracia.blogspot.com/ http://www.myspace.com/antidemoscracia

Dan Kaufman – Force Of Light (2007) – Tzadik

Dan Kaufman, o mentor dos Barbez (NY, USA), faz-se aqui acompanhar pelos membros da sua banda de origem, assim como de alguns músicos convidados. As composições são da sua autoria e as letras são poemas de/ou baseados na obra de Paul Celan. Este era um poeta Judeu que sofreu na pele as atrocidades da segunda guerra mundial e dos nazis. Passou anos em campos de concentração, perdeu os pais nestes, acabando por cometer suicídio em França, afogando-se no rio Siena. A sua obra baseia-se precisamente nos horrores do holocausto e na sua própria vivência do mesmo. É tido como um dos grandes escritores do século XX. Este disco é parte integrante da “Radical Jewish Culture” da Tzadik e inclui 8 temas, em cerca de 56 minutos, que vão beber ao Jazz, avantgarde, neo-clássico, klezmer e post-rock. Tudo isto condimentado com spoken words dos poemas de Paul Celan. Emotivo, forte, negro, denso. A perfeita banda sonora para a vida (e morte) de Paul A. Anschel. Recomendo vivamente! 90% http://www.barbez.com/ / http://www.myspace.com/barbez / http://www.tzadik.com/

Informações sobre Paul Celan: http://en.wikipedia.org/wiki/Paul_Celan / http://www.culturapara.art.br/opoema/paulcelan/paulcelan_db.htm

RDS

Daniele Brusaschetto – Circonvoluzioni (2007) – Bosco Records

Novo trabalho de estúdio para o italiano Daniele Brusaschetto. São 10 novos temas em cerca de 36 minutos de duração. Este trabalho está mais calmo que os anteriores, mais introspectivo, ambiental e com passagens acústicas, não deixando, no entanto, a vertente experimental e industrial por mãos alheias. Não é o meu trabalho favorito de Daniele, preferindo a sua fase inicial mais industrializada, no entanto, há aqui temas que seguem uma vertente que me agrada como “Animali esausti”, “Cimènt”, “Female” ou “Black Synthetic”. Além do formato físico em CD, este encontra-se disponível em mp3 para download. Aliás, toda a discografia de estúdio do músico, em nome próprio (exceptuando colaborações e projectos paralelos), encontra-se disponível para download gratuito. No website da editora Bosco (responsabilidade do Daniele) também se encontram todas as edições para descargas de modo gratuito. Para apreciadores de Industrial, experimental, avantgarde e electrónica. 70% http://www.danielebrusaschetto.com/ / www.myspace.com/brusaschetto / http://www.boscorec.com/
RDS

The Ocean - Interview

1 – The Ocean (origin and meaning of the band’s name, short bio with highlights, discography, etc):
We are a band, or: collective, from Berlin, Germany. There is no precise »origin« of our name; the term just came up one day. First we hesitated to use it because it seemed a little too simplistic (thus inappropriate of our musical style). But then we realized that truly ingenious things are inevitably simple – so we decided to stick to it. What's great about the name is that there's not the meaning. It has so many facets and evokes so many different associations – from the origin of all life to the end of it; from a calm, peaceful sunset scenery to a devastating hurricane.
The whole thing started back in 2000. Robin had just moved to Berlin with a bunch of songs on a four-track Minidisc recorder and started looking for people to form a band. It took about two years and forty musicians until a stable line-up was established and first live shows could be made. In 2003, we signed to Make My Day Records and released our first (official) record Fogdiver. The next year, Fluxion came out, which saw the introduction of vocals and big-scale orchestrations including classical instruments such as cellos, flutes and trombones. The project soon got too big for Make My Day, so we signed with Metal Blade instead, releasing Aeolian in 2005 and Precambrian in 2007.

2 – “Precambrian” (writing & recording process):
Most of the basic ideas developed during an Australia trip Robin did in summer 2005, and in the Berlin winter that followed. Actually, Robin conceived quite a lot of the material on a four-string guitar on beaches and in hostel rooms on his trip. Back in Berlin, he elaborated them further; but since we were on tour for four months in 2006 and Robin recorded an album with another band of his, he didn't have the time to work on the Precambrian material until late 2006. In April 2007, we went to northern Finland for three weeks in order to record drums and the basic guitar tracks in a barn in the middle of nowhere. Everything else we recorded at home in our Oceanland studios, as we have done ever since, with some of our guest vocalists cut their tracks at their respective places in the U.S., the Netherlands, Belgium, and Sweden. Finally, we had the whole thing mixed in New York City and mastered in Cambridge, MA. There are 26 musicians playing on the album, so you get the idea. To manage this massive polyphony, to handle the huge amount of tracks and still keep the song focused and work out its essence, its core, was the biggest challenge we have ever taken.

3 – “Hadean / Archaean” VS “Proterozoic”:
The Precambrian was the first chapter in the evolution of planet earth, its beginning is set to about 4,5 billion years before now. Geologists subdivide the Precambrian into 2 or 3 eras, Hadean / Archaean and Proterozoic, and in the case of our album, the 2 discs carry these names. These eras are further subdivided into geological periods, which function as song-titles here. So the whole concept evolves around the early days of mother earth, which was then a terrifying place devoid of life and reigned by sulfur and red-glowing streams of lava... During the Proterozoic, the earth started to cool down a little bit and the atmosphere started to build, and first simple forms of life prang up. All this is reflected in the music: The Hadean / Archaean part of the disc is raw and brutal, continuing where 'Aeolian' left off, with a basic instrumentation of drums, bass, guitars and vocals. The Proterozoic part of the disc is much more multi-layered and complex, more mellow and vast, still crushing and heavy for the most part, but with plenty of atmospheric moments that give the listener space to breathe in between the eruptions.

4 – Lyrics (influences, themes, messages) and the main lyrical concept of this record:
The Precambrian was a time before life on earth. Apparently, it doesn't make much sense to write about nothing but rocks and volcanic euprions, so we did not stick to the album theme in an overly strict way. There are still certain references and metaphors going back to the Precambrian theme, but the lyrics essentially address human issues.
There isn't the overall lyrical concept on the album, but what ties everything together are Lautréamont's Chants of Maldoror, which is certainly the biggest lyrical influence on this album. The Chants are so full of spite, passion, dark irony and profound hatred of man and his virtues, so to speak, that we realized our album could be kind of a soundtrack to them. So it was only natural to try and fit some of those blasphemous words onto the music, and we ended up having two songs exclusively employing entire passages of the Chants: »Mesoarchaean« and »Neoarchaean,« both on »Hadean/Archaean.« There are more parts here and there and in addition, the booklet of »Proterozoic« is interspersed with quotes from the Chants, some of them using great oceanic imagery: »You will not in my last hours, find me surrounded by priests. I want to die lulled by the waves of the stormy sea.«
But it's not just Lautréamont; the song »Mesoarchaean,« for example, is actually a poem by Baudelaire. Nietzsche's »Untimely Meditations II« have left their mark on the song »Rhyacian«, and the song »De Profundis« is a poem by Georg Trakl.

5 – Album frontcover / artwork (who, why, meaning, …):
The cover depicts magmatic bubbles, black lava printed in UV gloss on a lavish digipak with physically cut-out diecut holes, through which you see the booklets shining through, with more images of black volcanic rock, creating the impression of depth. When you slide out the booklets, you see red glowing lava shining thorugh those diecut holes.
The artwork was done by Martin Kvamme, once again. Working with Martin is simply amazing. He is such a creative and talented artist, I guess there's nobody else like him out there. He perfectly understands where we're coming from and does his best to satisfy us, and realize his own artistic vision at the same time. We admire all of his works, and what we really like about him is that he doesn't have one particular style. He is extremely versatile and can do everything and adapt to a concept and really push it and develop it. You never know what to expect when you work with him, but we have ben very pleasantly surprised every time. As always, we wanted the artwork to reflect the overall atmosphere of our music. And after the great job Martin had done on Aeolian, it was only natural to ask him again.

6 – Musicians / Guest Musicians (26!):
Yeah, there's a huge number of guest musicians on our album. For example, we've got Tomas Hallbom from Breach again, singing a duett with Rene Nocon, an singer rather unknown outside of Berlin, on »Stenian.« Then there is Nate Newton of Converge appearing on two of the »Hadean/Archaean« tracks. There is Caleb Scofield of Cave In on the track »Orosirian,« together with our new main vocalist Mike Pilat. There is Eric Kalsbeek of Textures singing the song »Mesoarchaean.« We also had the honor to work with pro-musicians from the Berlin Philharmonic Orchestra.

7 – Musical and other kind of influences:
The range of musical influences among our band members is pretty wide. We do have some common denominators, though, such as Breach, Refused, Neurosis, Meshuggah, or Godspeed You! Black Emperor. Apart from that, you can find pretty much everything in the band: we've got fans of Old-school Hardcore, Dub, Black Metal, Electronica, Classical music, Grindcore, etc.
And then there's a couple of non-musical influences as well. We've talked about the French symbolists already, or two of them; then there's people like Edgar Allan Poe for example, whose »The City in the Sea« was the basis of our song by the same title; then there's our »Austerity«, which was inspired by Bertolt Brecht (both songs off Aeolian). Surrealist poetry also had quite an impact on our lyrics. The works of Andre Breton might be the basis for our next album, but we'll see...

8 – Metal Blade Records:
The cooperation with Metal Blade started after we parted ways with our previous label. We checked out a couple of alternatives, talked to people here and there, and went for Metal Blade, whose offer was by far the most interesting one. And we don't regret it; Metal Blade has been supporting us ever since and never tried to encroach in our artistic freedom. They have never interfered with our recording processes or otherwise tried to take control over where the whole project is going.

9 – Tour to promote the record:
We've just returned from a European tour with Intronaut, which was awesome, and we'll be on tour again in March with Rotten Sound and Victims, which is gonna be a great package; hands down the most unusual one we've been part of so far. After that we will play a week of headliner shows in France and then go to Eastern Europe including Greece and Russia, before going to the US in May. We will spend the better part of 2008 on the road.

10 – Final Message:
Never forget that Precambrian is just one of five albums we've put out so far. Check out the other ones too, Fogdiver for example, to get an idea of the entire range of what The Ocean is capable of!
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Questions: RDS

Answers: Nils (visuals)
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Metal Blade: www.metalblade.de

The Ocean: http://www.theoceancollective.com/ / http://www.myspace.com/theoceancollective

Qwentin - Entrevista

1 – Qwentin (curta biografia, pontos altos, discografia, etc):
Qwentin é um todo feito de cinco partes. Cinco cabeças que, quando juntas, formam uma só identidade, um contador de histórias chamado Qwentin. Um viajante, um sonhador que acredita que todas as línguas do mundo são perceptíveis se nos predispusermos a compreendê-las. Esse foi um dos princípios basilares da fundação da banda, em 2003, numa garagem no limite urbano do Cartaxo, cidade onde crescemos. O outro princípio foi a questionável necessidade de refrães: "se a vida não tem refrães; se os filmes não têm refrães; por que razão hão-de as músicas ter partes repetidas só para respeitar uma convenção estrutural que não sequer está escrita em lado nenhum?". Foi, então, no início de 2003, que o Qwentin começou a compor temas sem refrães e em diversas línguas. Às composições foi acrescentado outro pormenor de estilo: a inclusão de elementos (narrativos e/ou musicais) que estimulassem a curiosidade do ouvinte, que o intrigassem, e que desafiassem a sua imaginação. E a ausência de uma "mensagem", de uma "lição de moral" a impingir ao ouvinte.
Daí até ao álbum, foi um longo caminho de quatro anos - com passagens pelo Festival Tejo (em 2003, 2004 e 2005), pelo Hard Rock Café Lisboa (2005), pelo Santiago Alquimista (2005) ou pela Day After (2005), entre tantos outros sítios; e duas passagens pelos estúdios Toolateman (Carcavelos), para gravar 2 EP, que viriam a servir de base de trabalho para o álbum "Première!"; e duas trocas de baterista, em 2005 e em 2006; e de muito trabalho criativo, para criar o inatingível "álbum perfeito" para a "estreia perfeita". Em finais de 2006, a banda reuniu-se num estúdio em Braga - e aí, temperados pelo clima invernoso da Cidade dos Arcebispos e acompanhados pelo produtor Daniel Cardoso, concretizámos esta amálgama de ideias em disco.

2 – “Première!” (processos de composição e gravação):
Depende das situações. As músicas surgem de forma muito espontânea e tanto podem nascer de uma "jam", como de um "riff" carismático que alguem trouxe de casa. Depois funciona por camadas. Quando já temos um "mood", pensamos nas linhas de voz. «Será que este "mood" deve ser cantado?» Se sim, «que fonética de que língua assenta aqui bem?» Cada música é um pequeno filme, e isso influencia muito a forma de pensar as diversas partes do tema, que devem ser musicadas conforme o que está a acontecer no «ecrã mental» de Qwentin, e que, em última instância, toma a proporção de um argumento cinematográfico.
A gravação do Premiére foi uma experiência alucinante. Decorreu ao longo de um mês, de forma sequenciada, no estúdio Ultra Sound, em Braga. Braga é uma cidade apaixonante, com pessoas que te acolhem muito bem e te levam para festas... As vozes femininas dos temas "Uomo-Tutto" e "Il Commence Ici" são de pessoas que conhecemos por lá...

3 – Letras (influências, temas, mensagens):
O Qwentin não tem, propriamente, uma mensagem. A última coisa que estas músicas pretendem é dar lições. São, basicamente, histórias, com princípio, meio e fim, que exploram facetas - umas óbvias, outras menos óbvias - da vida quotidiana, frequentemente sob o ponto de vista de um viajante em permanente busca de novas experiências, novas aprendizagens, novas formas de perceber a realidade.
Basicamente, são inspiradas por coisas tão simples (ou complicadas, consoante o ponto de vista) como a vida, o mundo, a verdade, a mentira, as pessoas que conhecemos.
Quer dizer, é possível que as músicas dêem que pensar ao ouvinte; mas não lhe tentam impingir uma lição, um "modo certo de pensar/fazer algo".

4 – Uso de diversas línguas:
Quando já temos um "mood", pensamos nas linhas de voz. «Será que este "mood" deve ser cantado?» Se sim, «que fonética de que língua assenta aqui bem?»
Para mais, o uso de diversas línguas é um reflexo da crescente europeização e globalização. E depois, porque é que se tem de cantar sempre em Inglês?A tendência dos músicos portugueses foi, em grande parte dos casos, tentar uma aproximação musical à cultura anglo-saxónica. O que acontece é que, exceptuando algumas honrosas excepções, os músicos portugueses nunca foram muito bem sucedidos nessa abordagem. É uma questão cultural que extravasa também a barreira linguística. Os americanos têm o Blues e nós o Fado. Não quer dizer que nós por cá não saibamos rockar, simplesmente temos de assumir um ângulo diferente, mais nosso, e partir daí para o mundo.
Tocar música "global", como nós fazemos, não significa cantar na língua mais global de todas (i.e., o Inglês). Significa fazer música cuja potência artística transcenda as barreiras culturais. Como o Blues, por exemplo.

5 – Capa do disco (quem, porquê, significado, …):
A imagem - gentilmente cedida pelo fotógrafo norte-americano Barry Weatherall - é a expressão visual perfeita do título que já tínhamos, há muito, escolhido para o álbum. "Première!" preenchia diversos requisitos: é uma palavra com significado igual em diversas línguas (apesar de ser uma palavra francesa, sem adaptação); está fortemente relacionada com o mundo do espectáculo, como um todo, e com o mundo do cinema, em particular; e significa "estreia", que é aquilo que este álbum é: a estreia de Qwentin numa "longa metragem".
Para além de recorrer (fruto do acaso) ao leque de cores de Qwentin, a imagem transmite a teatralidade do conceito; e aquela tímida mão, que espreita da cortina, recorda aquele «nervoso miudinho» que se sente nos momentos que antecedem uma estreia (ou qualquer outro grande momento de uma vida). É o Qwentin que lá está, a espreitar-nos por detrás da cortina, de cada vez que pisamos um palco...

6 – Rui Duarte (Ramp):
A voz é um instrumento como qualquer outro. Determinadas vozes ficam bem em determinados "moods". O "Mind (the) Thieves" pedia uma voz como a do Rui - um amigo de longa data que sempre nos apoiou. E um grande vocalista de uma grande banda (que inspirou boa parte da nossa aprendizagem musical). O resultado final excedeu as nossas expectativas - o Rui vestiu mesmo a "camisola" de Qwentin.

7 – Projecções vídeo e teatralidades ao vivo:
A apresentação ao vivo é mais de metade da força do Qwentin. O guarda-roupa, a caracterização, a utilização de elementos teatrais (sejam interacções entre os músicos, seja com recurso a actores), a não-comunicação verbal directa com o público (o contacto é puramente físico, através de olhares, de linguagem corporal - a comunicação verbal é feita através de um narrador, uma "voz-off", que intercede em momentos-chave) e o recurso a imagens vídeo (que dão ao público uma ou outra pista para descodificar o "argumento" de cada tema interpretado) fazem do concerto de Qwentin uma poderosa experiência audiovisual, situada bem para lá de um mero espectáculo ao vivo.

8 – Influências musicais e outras:
Os gostos dentro da banda abarcam praticamente todo e qualquer estilo de música alguma vez criado. O Rock/Pop é o estilo de eleição, mas todos gostamos de música, seja qual for o estilo. Por vezes, é na musica mais ensossa do músico mais desinteressante que encontramos um determinado pormenor que nos abre uma série de portas à criatividade.

9 – Filmes recomendados pela banda:
Os melhores filmes, e os que mais influenciam a nossa música, são aqueles que acontecem na vida real. Apesar de tratarmos, nas nossas músicas, de temas como a fantasia e a ficção científica, isso não significa que não tenham um fundo de verdade...

10 – Raging Planet Records:
A ligação com a Raging Planet começou com um convite para integrarmos uma colectânea, com edição prevista para o início de 2008. O Daniel Makosch desafiou-nos a fazer a "cover" de um clássico da música portuguesa - optámos por fazer o "Zuvi Zeva Novi", de Mler Ife Dada.
Entretanto, tínhamos o disco finalizado e pronto a distribuir. Após uma série de reuniões para acertar todos os detalhes importantes, partimos para a edição conjunta - uma parceria que esperamos que se fortaleça e dê muitos frutos para ambas as partes, nos anos vindouros.

11 – Promoção ao disco:
13 Novembro: entrevista no Curto Circuito (Sic Radical);
15 Novembro: concerto no Bar Europa (Lisboa) - apresentação do álbum;
23 Novembro: concerto no Centro Cultural do Cartaxo;
08 Dezembro: concerto no Bar Som Líquido (Tavira), com Guernica Havoc;
09 Dezembro: showcase na Fnac da Guia (AlgarveShopping) - promoção do álbum;
20 Dezembro: concerto na escola Restart (Lisboa);
11 Janeiro: concerto no Centro da Juventude das Caldas da Rainha.

12 – Mensagem final:
O desconhecido começa já ali ao lado, naquela esquina que dobramos todos os dias sem pensar muito nisso.
Recordando "A Ilha", de Aldous Huxley: «"Aqui e neste momento, rapazes", salmodiou o pássaro. "Aqui e neste momento, rapazes."»

E claro... Não acreditem, é tudo verdade.Ass: Qwentin (foi mesmo respondido por todos os membros - Bárány Qwentinsson, Drepopoulos Qwentinsson, Gospodar Qwentinsson, Morloch Qwentinsson, Qweon Qwentinsson)

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http://www.qwentin.com/ / http://www.ragingplanet.web.pt/ / www.myspace.com/ragingplanetrecordsportugal

The Ocean – Precambrian (Proterozoic) (2007) – Metal Blade

“Precambrian” é o sucessor do disco de 2005 “Aeolian”. Este novo trabalho é duplo, contendo um MCD de cerca de 22 minutos sub-intitulado “Hadean / Archaean” e um segundo disco de 62 minutos sub-intitulado “Proterozoic”. Infelizmente, apenas tenho acesso ao segundo disco, pois os promocionais enviados pela Metal Blade apenas incluem esta “segunda parte” do álbum.
O colectivo Alemão continua a explorar a sua característica visão artística da música. Além de todos os músicos envolvidos no projecto, há ainda espaço para participações especiais de elementos de bandas como Converge, Old Man Gloom, Cave In, Integrity, Breach, Textures, etc, e ainda membros da Berlin Philharmonic Orchestra, num total de 26 músicos! Guitarra, baixo, bateria, percussões, vozes, violino, violoncelo, saxofone, piano e outros instrumentos marcam a sua presença. Uma faixa como “Rhyacian / Untimely Meditations" chega a ter 84 pistas diferentes na mistura! Além disso, ao vivo apresentam também um arrojado conceito visual a acompanhar a performance musical.
O estilo continua o mesmo dos álbuns anteriores, fusão de Metal, Hardcore, Sludge, Doom e ambientes cinemáticos. Depois da dupla “Fluxion” / “Aeolian”, estes surgem com um duplo disco baseado no período Precâmbrico e nas suas distintas fases, estando as faixas divididas em 5 eras, com os períodos subordinados a serem encarnados pelas diversas faixas do disco. Em termos líricos o disco foi influenciado pelo autor Franco-Brasileiro Proto-Surrealista Lautréamont e a sua obra “Cantos de Maldoror”.
O “artwork” é, mais uma vez, obra de Martin Kvamme, conhecido pelo seu trabalho com os trabalhos dos projectos de Mike Patton (Fântomas, Tomahawk, Patton/Kaada) e do anterior “Aeolian”.
Mais uma obra do colectivo The Ocean que conjuga inúmeros elementos e que tem de ser absorvida como um todo: música, letras, capa, imagens, passagens literárias, etc. Tenho de adquirir o trabalho na sua globalidade (como já referi, o promocional apenas inclui o 2º disco e nada de capa e livrete) para o poder apreciar na sua plenitude. Para já, esta “amostra” já me deixou a salivar pelo resto! Mais uma etapa que irá agradar aos seus fãs e apreciadores de nomes como Isis, Neurosis, Cave In, Cult Of Luna, Botch, Old Man Gloom, Coalesce e até David Lynch. 85% http://www.metalblade.de/ / www.theoceancollective.com

RDS

Vulture Industries - Entrevista

1 – Vulture Industries (origin and meaning of the band’s name, short bio with highlights, discography, etc):
The origin of the name VI one of two alternatives we came up with before the fist concert with this lineup. There was really no other reason for picking up that name other than we considered it cool and fit our music.
VI emerged from the remains of the gothic metal band Dead Rose Garden, after changing close to all of the members VI first appeared March 2004 at Piggtrådfestivalen, The Barb Wire Festival, in Bergen. Since then the EPs “The Enemy Within” 2004 and “The Benevolent Pawn” 2005 were released before the recording of The Dystopia Journals started. By that time VI was independent, no signing had yet been done, so the whole recording process was run by our vocalist and programmer, Bjørnar E. Nilsen.

2 – “The Dystopia Journals” (writing & recording process):
Some of the songs on TDJ are from the EPs, so the material dates back at least 3 years, but the newest songs are written and arranged during the recording process. The writing process usually starts out as sketches on Bjørnar or Øyvind’s computers, these are handed round to the other members for fine tuning and testing out. The next phase is the rehearsals room, trying out the different parts, fitting new and removing parts that don’t fit. We normally use a lot of time on this, so when we came to recording the last 3 songs they were not finished yet. So we spent a lot of time in studio trying the new stuff out and adjusting the sounds to fit the other recordes songs. The fist songs were recorded 2 and 3, starting out early august 2006, finishing the last songs close to summer 2007.

3 – Lyrics (influences, themes, messages…):
The lyrics is Bjørnar’s work, he has a huge interest in classic poets, especially those with the darkest or perhaps clearest views upon life I think, not that he is a gloomy guy himself, he is like the rest of us happy campers. But he has a vivid imagination, and comes up with the strangest thoughts. His ideas for the lyrics for TDJ came up by chance he says, there was this “I” person that showed up, turning the process into a kind of a concept-album. But that was never intended when he started out. I think the lyrics speak for themselves, but themes are struggle with inner demons and wish for individuality, the themes are complex but the messages are not hidden. One might interpret them individually, Bjørnar always says that people should think for themselves, and that is perhaps part of the message?

4 – Helge Jordal and the album frontcover:
When we were discussing what the album cover should look like, a lot of ideas were tossed around in the band, many of the ones we didn’t use were really good too, maybe we can use them on the future albums. Anyway, Bjørnar and Maja (who designed the album cover and booklet) came up with the idea of picturing a man so full of inner struggle that he ends up strangling himself.
It was Bjørnar’s idea to contacting Helge Jordal, who is an acclaimed actor here in Norway. He had both the face and skills to show the contrasts between the furious and anxious sides of the same man. I think he did an excellent job, and he was a very cool guy as well. I guess the song “Path of infamy” is the inspiration behind this whole concept.

5 – Musical and other kind of influences:
We all have different musical influences in the band; I for one have taken the standard road of a norwegian metalhead: started listen to Metallica, Megadeth and Sepultura at the age of 13, then moved over to more extreme metal, Satyricon, Dissection etc., then maybe eased up a bit when I got a bit older, really listening to everything from Mötley Crüe to Shooter Jennings.
Øyvind and Bjørnar writes most of the music on the album; I tend to think that Øyvind is a bit more into the death and black metal-scene, while Bjørnar is a bit more into the industrial/ horror/ weirdo-scene.. hehe. They both are prog heads though.

Many have compared us to Arcturus, mainly because of Bjørnar’s vocals and the experimental nature of the music. While I can understand that someone can think so, and myself and other members of VI likes Arcturus, I can assure you that this is not intentional. I don’t think we sound very similar, and Bjørnar can’t really sing any other way, the poor bastard J

6 – Dark Essence Records:
Dark Essence resides in our hometown of Bergen, and we know the guys running it, so this makes it easier to have a good contact with the label. They have really done a good job for us so far. I know that Bjørnar also has started cooperation with them, so this is positive for VI as well.

7 – Tour to promote the record:
We have played a number of concerts here in Norway after the album hit the shops. Bergen, Haugesund, Tromsø and Sandnes. We are also going to Oslo early next year. As that is about all the cities we have in Norway (hehe), we are doing a tour around Europe in March.. a total of 17 gigs I think, from Italy to the UK. That will be a blast!

8 – Final Message:
Thanx for giving us this interview! Hope you guys reading will check out our music, buy our album and go apeshit with us in concert! Check out our website (www.vulture-industries.net) for info about future concerts! Cheers!


Entrevistador: RDS
Entrevistados: Kyrre Teigen (bass) q. 1-3, Tor Helge Gjengedal (drums) q. 4-8.

http://www.vulture-industries.net/ / www.myspace.com/vulture-industries / http://www.karismarecords.no/ / http://www.darkessencerecords.no/

Von Branden - Entrevista

1 – [von Branden] (origin and meaning of the band’s name, short bio with highlights, discography, etc):
Herr von Branden: Well, [von Branden] was brought to life by Vestriz von Mesopotamien and myself, Solarian von Branden, in 2004. We created ourselves to not be part of humanity anymore, as we prefer to watch and help them destroy themselves from a distant point of view. In August 2005, we welcomed our third member Arminius von Theesfeld, who completed Dynasty [von Branden]. We are not a common band, as we do not exist in that common sense. All three members of [von Branden] are nothing but shadows of their once only human beings. We have no past to tell about and no future to poison, we only exist to take advantage of the linearity in this world. Our name refers to some former German aristocracy, along with the literally meaning of the words: [von Branden] stands for the fire we went through to leave behind the chains of continuity. Furthermore, I like the sound of the words. It has the same vowels as “cellar door”. We’re about to release our debut album “Scherben”, following two demos “Behind the Rain” and “Ignoranzkult”, which by the way were never released.

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2 – “Scherben” (writing & recording process):
Herr von Branden: The process of writing and recording our songs needed a long time. Originally, we wrote and recorded the songs only for ourselves, to get rid of all the things we couldn’t bear anymore in daily life. Then one of our guest vocalist showed our first demo to GreyFall, who then contacted us and asked for more songs to release an album. So after Arminius became member of the band, we started a second recording session, the result of which is our second demo “Ignoranzkult”. After signing to GreyFall, we rearranged, remixed and remastered the recordings and added another track to complete the album. So it was a slow process over three years I guess, from the idea of two entities to our debut album “Scherben”, although we spent very little time in studio. We had the help of some guest musicians during all recording sessions, therefore each song sounds unique and it is hard to label our music to one genre.

3 – Lyrics (influences, themes, messages):
Herr von Branden: We basically sing about concrete situations of our life, which is in my opinion unavoidable to create honest music. I admit, we concentrate on some really melancholic and sad moments, and in the end it’s all about women, relationships, hopes, disappointments and losses. I use to talk to some special persons in our songs, who were part of my life, to show them a different point of view. Maybe some listeners will find their own experiences reflected in our songs, at least I hope so. But primary, all music is written only for ourselves, to keep us a memory of few special moments. We try to focus all we felt into the words and music, to combine it and paint a drawing of our souls. The album is entitled “Scherben”, which means fragments or broken pieces. It stands for the way I look at people, who are made of “Scherben” deep inside. Everytime you are deeply disappointed, you break into pieces, are told to find strength and put the pieces (“Scherben”) back together. With time, you are nothing but a mask behind which you hide your ruined inner self. Nothing is more disgusting for me. We do not want to spread a message, we just want to make people feel what we felt.

4 – Album frontcover / artwork (who, why, meaning, …):
Herr von Branden: The artwork was done by Lukasz Jaszak, and I’m very satisfied with his work. We had some intense conversations, as I wanted the artwork to be the visual part of our music. So we talked about very personal issues, and he always had great ideas how to interprete our wishes. I think he was the perfect man to complete our album visually, he can be really proud about his work, although it fitted perfectly for sad reasons. The whole album shows transitoriness of existence, of relationships, of everything that is important for a human soul. If you look at the front cover and then open the booklet, you will surely be shocked someway, as it definetely looks different than you would expect it to look. This was really important for us, to have some controverse and disturbing artwork that expresses what we feel and that completes our music. Beautiful in some melancholic way, but shocking honest and different.

5 – Tori Amos “Winter”. Why?:
Herr von Branden: Hehe, why not? I love the original version of Tori Amos, and again, I have very personal memories concerning that song. Some special person gave it to me years ago, but somewhen the feelings of the original version did no longer fit to my feelings listening to the song. So I asked Vestriz and Arminius to do a cover version and record it. I wanted the song to sound desolate and accusing, torn apart between sorrow and blind anger. It was an experiment in studio, like all of our songs. We tried to work with single clean vocals for the first time, and I admit we still have to learn controlling it. But we decided to put that song onto the album, and I do not regret it.

6 – Musical and other kind of influences:
Herr von Branden: We’re pretty open minded musically I think, but there is no special band or musician to mention. We just listen to a lot of different styles… As long as the music touches our heart, we do not care for any genres. We try to not copy any existing band or even copy ourselves, we always try to find new instruments to use and new ways to express our emotions. We simply want to create a drawing of a special moment, along with all the feelings and the atmosphere we remember about it. Not a simple photo, but captured thoughts and emotions, to keep these moments alive for us. We do not forget the suffering… Sometime I use to say that we are influenced only by rain; imagine the raindrops falling, the calm sound, the wet world around, the smell and taste… this is the atmosphere we want to create.

7 – GreyFall:
Herr von Branden: Well, we signed to GreyFal only few months ago, but we knew that they’re interested in releasing our material since about two years. I think they can support us very well, although we originally never intended to release anything. Our friends of Mandrake are on the same label, so we knew what we can await and I’m sure we made the right decision.

8 – Tour to promote the record:
Herr von Branden: We are not sure if we will play live. [von Branden] has been growing steady since the beginning, but we never thought about performing gigs in the beginning. We would somehow like to, but have to consider the problems on stage as we’d have to either play with our guest musicians or use some playback for some instruments. I’m not a friend of playback at all, but next point is that we do not know if we should present ourselves in flesh and blood, as the “real” bandmembers are nothing but shadows of their once human beings. Let’s first wait for the reactions to our debut album and then see if there are enough people who want to see us on stage, haha…

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9 – Final Message:
Herr von Branden: We thank you a lot for giving us the possibility to talk to you and your readers, we appreciate it a lot! I hope some of your readers will give our different style of music a chance. “Keep the pain alive inside!”
Yours,
Solarian von Branden

http://www.grau.cd/

Yoshida Tatsuya / Satoko Fujii – Erans (2004) – Tzadik

É altura de passar em revista na Fénix mais um trabalho que inclui a pianista Japonesa Satoko Fujii, aqui lado a lado com o baterista dos míticos Ruins, Yoshida Tatsuya. No total são 6 composições da responsabilidade de Yoshida, 5 de Fujii e 2 compartidas. Doze temas são instrumentais, sendo o último uma versão vocalizada do tema de abertura “Feirsttix”. O disco foi gravado por Joe Marciano a 12 de Julho de 2003, misturado e pré-masterizado por Yoshida, produzido pelos dois músicos e com produção executiva de John Zorn. A edição como já deu para ver pelo cabeçalho, é da responsabilidade da Tzadik de Zorn, incluído na sua série “New Japan”. Estes dois virtuosos Japoneses oferecem-nos cerca de 1 hora de fusão Jazz, Avantgarde, Experimental e Progressivo. Tudo isto apenas com piano e bateria. Este é um dos meus discos favoritos da inteira discografia dos dois músicos Japoneses. Para fãs de Satoko Fujii, Yoshida Tatsuya, Ruins, John Zorn, Masada, Naftule’s Dream, Soft Machine, Mahavishnu Orchestra, Ornette Coleman, Ahleuchatistas, Dysrhythmia, etc. 95%

Tzadik: http://www.tzadik.com/
Satoko Fujii / Libra Records: http://www2s.biglobe.ne.jp/~Libra/
Yoshida Tatsuya / Ruins: http://www5e.biglobe.ne.jp/~ruins/ / http://www.skingraftrecords.com/bandhtmlpages/ruinspg.html

Vulture Industries – The Dystopia Journals (2007) – Dark Essence Records

Os Vulture Industries são Noruegueses e este é o seu disco de estreia (depois de duas maquetes em 2004 e 2005). A banda é composta por 5 membros já com alguma experiência proveniente de bandas como Sulphur, Black Hole Generator, Malice In Wonderland, Syrach, Enslaved (sessão) e Taake (sessão). A sonoridade assenta num Metal de teor sinfónico, experimental, progressivo e doomy. As comparações mais óbvias serão a Arcturus, Solefald ou Winds, mas estes Vulture Industries têm algumas ideias e uma maneira próprias de fazer este tipo de sonoridade e, acredito que, num segundo disco terão já a sua identidade bem demarcada. O disco foi produzido pelo vocalista e produtor Bjornar E. Nielsen (produtor de bandas como Helheim, Sulphur, Dead To This World, etc) nos seus Conclave & Earshot Studios, com a assistência de Herbrand Larsen e Arve Isdal (Enslaved). Para a capa do disco conseguiram a participação do conceituado actor Norueguês Helge Jordal. Uma boa aposta para quem gosta de Metal sinfónico, progressivo e das bandas acima citadas. 90% http://www.vulture-industries.net/ / www.myspace.com/vulture-industries / http://www.karismarecords.no/ / http://www.darkessencerecords.no/

Lento – Earthen (2007) – Supernaturalcat

Este é o disco de estreia dos Italianos Lent0, uma banda composta por 5 elementos (3 guitarras, 1 baixo e 1 bateria). Depois do split MCD com os Ufomammut, lançado na mesma editora, apresentam-nos em “Earthen” 7 temas instrumentais em cerca de 41 minutos de duração. A música dos Lent0 é uma fusão de Ambient, Post-Rock, Avant-Rock, Hardcore, Psychedelia, Drone, Industrial, sempre com uma orientação bem doomy e sludgy, com influência directa de nomes como Neurosis, Earth, Godspeed You! Black Emperor, Mogwai, Pelican ou Isis. As duas primeiras faixas são bem carregadas e intensas (“Hadrons”, “Need”), segue-se “Subterrestrial” com pouco mais de 3 minutos de teor ambiental para depois voltarmos a ser invadidos com o peso e intensidade arrastados, depressivos e melancólicos de “Currents”. Em “Emersion Of The Islands” voltamos ao material ambiental, desta feita com quase 7 minutos de duração. “Earth” volta ao domínio da música pesada, acabando o disco com quase 10 minutos de puro ambiental em “Leave”. Os riffs mantêm-se imutáveis, com um sentido de continuidade e repetição que apenas logram em aumentar a intensidade e carácter depressivo, sufocante e irrespirável da música dos Lent0. Uma experiência perturbadora para quem não está habituado a este tipo de sonoridades, mas uma bem recompensadora para que gosta das bandas acima mencionadas. 85% http://www.lent0.com/ / www.myspace.com/lent0 / http://www.supernaturalcat.com/ / www.myspace.com/supernaturalcat

Three - All That Remains (2007 Metal Blade)

Satoko Fujii & Natsuki Tamura

Depois de aqui ter revisto 6 discos de Jazz Avantgarde vindos do Japão, da Libra Records, eis que me chegam às mãos mais algumas das gravações de Satoko Fujii e do seu marido Natsuki Tamura. Mais uma vez o digo, eu não sou nenhum connaiseur do estilo, nem sou músico para discutir aspectos técnicos, sou apenas um ávido fã e coleccionador de música. Sem restrições de estilos. É boa ou má música (tendo em conta os tons de cinzento, não apenas os brancos e pretos), apenas isso. É, portanto, nessa perspectiva, que passo então a descrever esses discos e o seu conteúdo, por ordem cronológica.

Natsuki Tamura – A Song For Jyaki (1998) – Leo Lab Records
Apenas um músico, o próprio Tamura. Um único instrumento musical, o trompete. São 12 temas, composições ou experiências sonoras no dito instrumento. Ultrapassa os 55 minutos de duração. Pode ser algo monótono, aborrecido ou até mesmo enervante, isto se não forem, ou trompetistas, ou fãs de Jazz em todas as suas vertentes ou fãs de música experimental. Algumas faixas resultam melhor que outras. É daqueles discos que devem ter dado mais gozo ao músico de tocar e gravar do que o resultado final dará ao ouvinte. De qualquer modo, como já disse, há algumas faixas que até resultam bem. Ouçam, tirem as vossas conclusões, escolham os vossos temas preferidos. É necessário mente aberta, acima de tudo, para encarar este disco. 65% Leo Lab Records: www.atlas.co.uk/leorecords/

Natsuki Tamura – White & Blue (1999) – Buzz Records
Tamura (trompete) alia-se a Jim Black (bateria, percussão, faixas 1 a 5) e Aaron Alexander (bateria, percussão, faixas 6 a 10). São 10 temas, todos com o mesmo título, “White & Blue”, apenas diferindo na numeração que segue o título. Muito experimental, ligeiro, e com algo que eu não gosto muito no Jazz, e até na música clássica, e que me faz fugir a sete pés, que é, muitos espaços em “branco” (leia-se: silêncio ou quase silêncio). Mais um daqueles discos que devem ter dado mais gozo aos intervenientes do que o que o resultado final dará ao ouvinte. Saliento algumas faixas que me agradam mais como 5, 6, 7 e 9. 50% Challenge / Buzz Records: http://www.challenge.nl/

Natsuki Tamura Quartet – Hada Hada (2003) – Libra Records
O Natsuki Tamura Quartet é 100% Japonês e é composto pelo próprio Tamura no trompete, Takayuki Kato na guitarra, Satoko Fujii no sintetizador e Takaaki Masuko na bateria. O estilo anda numa linha de Jazz Rock algo experimental e psicadélico com toques exotica, lounge e ainda de bandas sonoras de filmes de terror / suspense / thriller / film noir. São 8 composições de Tamura em cerca de 51 minutos de duração. De referir que a masterização foi feita por Tatsuya Yoshida, baterista dos Japoneses Ruins. Gostei do que ouvi. Até agora o disco que mais gostei deste pacote promocional. Para fãs dos estilos acima descritos e, porque não, também de Industrial. 85% Libra Records: http://www2s.biglobe.ne.jp/~Libra/

Satoko Fujii feat. Paul Bley – Something About Water (2004) – Libra Records
Discos a solo de músicos de Jazz incomodam-me logo à partida. Ora, aí vem algo extremamente monótono, pleno de exercícios masturbatórios que vão dar um gozo enorme ao músico e a ninguém mais, penso logo. Ora, neste “Something About Water” ficamos a meio caminho. A senhora tem formação superior em conservatório, e isso pode ser mau ou bom. Por um lado, sabe o que está a fazer, tanto em termos de composição como de execução, mas o resultado final pode soar muito mecânico e desprovido de emoção, peça fundamental em todo o tipo de arte. Não é o que acontece aqui, e isto não soa de todo frio e calculista, pelo contrário, nota-se alguma alma. Se és fã ou músico, estas composições ao piano irão agradar-te, senão, foge a sete pés. Não é que eu não goste, isto até está muito bem feito, e há aqui algumas passagens bem agradáveis ao ouvido, mas não é a minha predilecção. De qualquer modo, tenho de dar o crédito à senhora e dar-lhe alguns pontos extra. Falta ainda referir que em 8 dos 11 temas Satoko Fujii é acompanhada por Paul Bley e que as gravações são de 1994/1995. 75% Libra Records: http://www2s.biglobe.ne.jp/~Libra/

Tamura + Sharp + Kato + Fujii – In The Tank (2005) – Libra Records
Quarteto que engloba Natsuki Tamura no trompete, Elliot Sharp no saxofone soprano e guitarra, Takayuki Kato na guitarra e Satoko Fujii no piano. A gravação foi feita ao vivo no Sakura-mate em Kumagaya, no Japão, a 20 de Março de 2001. São 4 faixas puramente experimentais, que perfazem 68 minutos de som. Este pode ser arquivado lado a lado com o anterior, “Hada Hada” do Natsuki Tamura Quartet, sem qualquer problema. A parte gráfica ficou a cargo do artista Japonês Shikikatsu Nakamura, o qual se baseou nas gravações para criar uma instalação de arte, incorporando anamorfose. Tudo o que seja nesta linha experimental é sempre bem-vindo da minha parte. 80% Libra Records: http://www2s.biglobe.ne.jp/~Libra/ / Shikikatsu Nakamura: www.d3.dion.ne.jp/~shiki

Satoko Fujii Quartet – Angelorn (2005) – Libra Records
Quarteto 100 Japonês ldierado por Satoko Fujii (piano) e que inclui o seu marido Natsuki Tamura (trompete), Takeharu Hayakawa (baixo) e Tatsuya Yoshida (baterista dos Japoneses Ruins). Aqui segue-se um formato mais Jazz Rock com toques progressivos. Este é mesmo o meu disco favorito de todo este pacote. Todas as faixas são fantásticas! Recomendo vivamente a fãs de Jazz Avantgarde, Jazz Rock, Rock Progressivo, música de fusão e experimental, e de nomes como Ruins, Miriodor, Univers Zero, Soft Machine, Hamster Theatre, Ornette Coleman, etc. 95% Libra Records: http://www2s.biglobe.ne.jp/~Libra/

Satoko Fujii Orchestra NY – Undulation (2006) – P.J.L.
Mais um daqueles que eu gosto. Jazz bem mexido, com toques de fusão, Jazz Rock e Progressivo. A Satoko Fujii Orchestra NY inclui no seu alinhamento os seguintes músicos: Oscar Norriega e Briggan Krauss no alto sax, Ellery Eskelin e Tony Malaby no tenor sax, Andy Laster no baritone sax, Natsuki Tamura, Herb Robertson, Steven Bernstein e Dave Ballou no trompete, Curtis Hasselbring, Joey Sellers e Joe Fiedler no trombone, Satoko Fujii no piano, Stomu Takeishi no baixo e Aaron Alexander na bateria. Desculpem-me os termos em Inglês mas não sei como se chamam os instrumentos em Português. As composições são todas de Satoko Fujii mas foram feitas a pensar nos músicos. Passo a explicar. Em cada um dos temas há dois solistas, e todos os músicos têm a sua oportunidade de improvisar sobre o trabalho de Fujii. Ao longo de 8 temas em pouco mais de 1 hora temos a oportunidade de desfrutar das capacidades de cada um dos músicos envolvidos. Gosto das composições, gosto dos solos, gosto de todo o conceito. E o que gosto mais, não só neste disco, mas em todos os anteriores, é que é tudo gravado em apenas um dia de sessão. Nada mais! O que sai na altura é o mais puro, natural, directo e espontâneo. Recomendo vivamente. 90% Libra Records: http://www2s.biglobe.ne.jp/~Libra/

Double Duo – Crossword Puzzle (2007) – Libra Records

Ufa! Finalmente o último disco a revisar! Este Double Duo foi um projecto de ocasião única, de improviso ao vivo e que estava composto por dois duos (daí a designação) de piano / trompete. Os músicos intervenientes foram Angelo Verploegen (trompete, idealizou o projecto), Misha Mengelberg (paino), Natsuki Tamura (trompete) e Satoko Fujii (piano). São dois temas improvisados ao vivo no Bimhuis em Amsterdão, na Holanda, que foram transmitidos e gravados pela rádio VPRO, a 22 de Setembro de 2005. A duração atinge os 43 minutos e meio. Como qualquer sessão de improviso, tem os seus pontos altos e baixos. Há certas passagens que funcionam melhor, outras que nem por isso. Serve sobretudo como testemunho do que foi aquela noite, com estes 4 fantásticos músicos, e das suas capacidades como intérpretes, compositores e as suas capacidades de improvisar sob pressão (leia-se: ao vivo). 75% Libra Records: http://www2s.biglobe.ne.jp/~Libra/

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RDS

Satoko Fujii & Natsuki Tamura

Neste fugaz texto irei apresentar seis edições e reedições (remasterizadas em 24 bits) de trabalhos da responsabilidade de Satoko Fujii (piano) e Natsuki Tamura (trompete) em alguns dos seus diversos projectos. São todos trabalhos muito acima da média que irão agradar a amantes de Jazz (tanto na sua vertente tradicional como na sua faceta mais Avantgarde e experimental) e a fãs de música Japonesa no geral. Vêm todos apresentados em caixas de cartão, estilo digipack, com um pequeno livrete de 4 páginas com as informações essenciais. Gosto muito da presentação destes CDs. Quanto à Libra Records, a responsável por estes discos, é uma editora Japonesa de Jazz Avantgarde da responsabilidade da própria Satoko Fujii.
Não sou um connaisseur da matéria, mas gosto de algumas coisas de Jazz, de material Avantgarde e, acima de tudo, música que venha do Japão, um país que me fascina imenso a vários níveis. Aqui vão então críticas simples e directas, baseadas apenas nas impressões e sensações que a música causa, por parte de um leigo na matéria, mas que gosta muito de música. Os aspectos técnicos, esses, deixo-os para os entendidos. A mim interessa-me apenas se é bom ou mau. Se gosto ou não!

Inicio com a referida pianista, Satoko Fujii, e o seu disco a solo “Indication” (Libra, 2004). São gravações de 1996 que são lançadas novamente em 2004. Composições próprias a par de peças de outros compositores, além de um tema tradicional Japonês. Os 50 minutos que compõem o disco podem tornar-se um pouco monótonos para quem, como eu, não está habituado a peças a solo no piano. No entanto, a qualidade é inegável. 70%

Continuo com o Satoko Fujii Trio que inclui, além da pianista, Mark Dresser no baixo e Jim Black na bateria. “Illusion Suite” (Libra, 2004) é o disco. Gravado em 2003 e editado no ano seguinte, este inclui 4 composições de Fujii que perfazem pouco mais de 54 minutos. Este já irá agradar um pouco mais os amantes de Jazz Avantgarde mas está um pouco direccionado para a linha tradicional. 80%

“South Wind” (Libra, 2004) é um disco da Satoko Fujii Orchestra. A pianista alia-se a 16 músicos de diversas proveniências. Entre estes inclui-se Natsuki Tamura, o qual assina 2 das 5 composições que compõem aquele que é um dos meus discos favoritos de todo este pacote. A gravação original data de 1997. Amantes de um Jazz mais selvagem, sem regras e sem barreiras, este é para vocês. 95%

Segue-se o Natsuki Tamura Quartet com “Exit” (Libra, 2004). Ao trompetista aliam-se Fujii (piano), Takayuki Kato (guitarra) e Ryojiro Furusawa (bateria). Cinco composições da responsabilidade de Tamura, gravadas em 2003, são-nos apresentadas nesta rodela. Aqui já nos aproximamos da música de cariz experimental com toques ambientais. Para os fãs de experiências sonoras. 85%

“How Many” (Libra, 2004) põe lado-a-lado Natsuki Tamura e Satoko Fujii. As gravações são de 1996. São 12 composições mútuas e mais uma da responsabilidade de cada um dos compositores / músicos. Mais uma vez o lado selvagem, experimental e sem barreiras do Jazz Avantgarde. 85%

Finalizo com o projecto Junk Box e “Fragment” (Libra, 2006). Tamura e Fujii nos seus respectivos instrumentos aos quais se junta o percussionista John Hollenbeck. As composições são todas de Satoko Fujii. As gravações são de 2005. Dez temas plenos de experimentação é o que este projecto nos oferece. Ao contrário da sua designação, isto não é lixo, mas sim material de alta qualidade. Mais uma vez, para amantes de material mais Avantgarde. 90%

Recomendo vivamente! RDS

Libra Records: http://www2s.biglobe.ne.jp/~Libra/

MISCELÂNEA

Alcest – Souvenirs D’Un Autre Monde (2007) – Prophecy: À primeira audição não gostei nada destes “souvenirs” dos Alcest. Por isso mesmo tenho adiado a escrita desta crítica. Entretanto tenho lido diversas críticas a este trabalho e todas elas são favoráveis e as pontuações são altíssimas! Pensei: “bom, tenho de dar uma oportunidade a isto, afinal de contas tenho de escrever alguma coisa!”. Pois a minha opinião não mudou nada! Continuo a não achar graça nenhuma a isto e não percebo o porquê de toda a gente a atribuir pontuações elevadas. A nota de imprensa refere uma “aplicação de Slowdive e Yann Tiersen aos Burzum”. Hum…!? Sinceramente, não vejo a razão de tanto alarido. 30% http://alcest.prophecyprodutions.de/ / http://www.alcest-music.com/ / http://www.prophecy.cd/

Corde Oblique – Respiri (2005) – Ark Records: O disco é datado de 2005 mas só agora me chegou às mãos. E ainda por cima nem me enviaram uma biografia ou nota de imprensa. Mas, como gostei tanto disto, vou arriscar uma pequena crítica. Este projecto Italiano pratica uma sonoridade baseada em música tradicional, ou “world music” como lhe queiram chamar, com toques de medieval, neoclássico, dark folk e gótico. Instrumentos acústicos, violino, piano, passagens ambientais, ritmos tribais, spoken word, vozes operáticas, vozes sussuradas, sons de mar, há de tudo um pouco. Para quem gosta deste tipo de sonoridades mais calmas. 85% http://www.arkrecords.net/

Lily’s Puff – Heaven Frowns (2007) – Ark Records: Projecto Italiano que mistura electrónica ambiental e experimental com Pop e material acústico. Este tipo de material tem de ser bem feito e os músicos têm de ter algumas ideias originais senão, não resulta. É o que acontece com estes Lily’s Puff. Até há por aqui algumas ideias interessantes mas, ou não foram bem utilizadas, ou então perderam o seu efeito e impacto ao lado de tantas faixas desinteressantes. Safam-se 2 ou 3 temas. 25% http://www.lilyspuff.net/ / http://www.arkrecords.net/

RDS

PROGROCK RECORDS

Amarok – Sol De Medianoche (2007): Sétimo disco de originais para os Espanhóis Amarok. Fusão de Rock Progressivo com música mediterrânica, música celta e algum Jazz. Aos habituais instrumentos do Rock aliam-se ainda acordeão, flautas, didgeridoo, saxofone, violino, trompete, entre outros, além de cântico tibetano. Os temas são vocalizados em espanhol, catalão e inglês (pela primeira vez na história da banda). A toda esta panóplia de influências e inspirações aliam-se ainda as fantásticas letras sobre a cabala, eremitas, criaturas do mito de Cthulhu, o livro das 1001 noites, etc. Após 10 temas originais temos ainda direito a uma versão étnica de “Abaddon’s Bloero” de Emerson, Lake & Palmer. Recomendo aos amantes do Progressivo de orientação étnica, Progressivo em geral, world music em geral e qualquer pessoa com mente suficientemente aberta para poder desfrutar desta peça de arte na sua plenitude. 90% http://www.amarokweb.com/ / www.myspace.com/amarokspain / http://www.progrockrecords.com/

Dial – Synchronized (2007): O projecto Sueco / Holandês inclui no seu núcleo duro Kristoffer Gildenlöw (Pain Of Salvation, Lana Lane, Dark Suns), Liselotte “Lilo” Hegt e Rommert van der Meer (ambos de Cirrha Niva), além das participações de Devon Graves, Dirk Bruinenberg e Eugenia Lackey. “Synchronized” é o disco de estreia e inclui 11 temas de Rock Alternativo com toques Progressivos, Góticos, Industriais e New Wave. À primeira audição não me chamou muito a atenção mas, agora com uma audição mais cuidada para escrever esta crítica, começo a descobrir pormenores, sons, melodias e outros pontos de interesse na música dos Dial. Não é uma audição fácil, aviso desde já! Mas assim que se entra no espírito, o nosso trabalho e processo de compreensão torna-se recompensador. É caso para dizer “primeiro estranha-se, depois entranha-se”. Para fãs de bandas tão díspares como Pink Floyd, Björk, Pain Of Salvation, Cirrha Niva, The Gathering (fase mais recente), Paatos, Anathema (fase mais recente), Antimatter, etc. 85% www.myspace.com/thebanddial / http://www.progrockrecords.com/

Invisigoth – Alcoholocaust (2007): Disco de estreia para o duo Cage e Viggo Domino, o qual compôs, produziu, misturou e masterizou este “Alcoholocaust”. Apenas se inclui a percussão de gizzi em duas faixas. Fusão de Metal progressivo e Art Rock, muito experimental mas direccionado para a criação de ambientes e melodias, criando uma espécie de banda sonora épica. A sonoridade deste projecto Invisigoth é original e fresca mas, para vos dar uma linha de orientação, pode-se referir Pain Of Salvation, assim como o trabalho de músicos como Devin Townsend ou Henning Pauly (Chain, Frameshift). Recomendo a fãs de sonoridades mais épicas, seja ProgRock, Metal, Rock ou Score Soundtrack. Atenção à faixa final, uma peculiar versão de “No Quarter” dos Led Zeppelin. 90% www.myspace.com/invisigothmusic / http://www.progrockrecords.com/

Persephone’s Dream – Pyre Of Dreams (2007): Os Persephone’s Dream são Norteamericanos e praticam um Rock Progressivo com certos toques de Heavy Metal e Gótico. Já me tinham chamado a atenção com os discos anteriores “MoonSpell” (1999) e “Opposition” (2001) mas na altura achava que ainda faltava limar algumas arestas. Pois, parece que foi o que fizeram neste novo trabalho, representando este disco um passo em frente para a banda. O intervalo de 6 anos entre discos também deve ter ajudado a amadurecer estas composições. Outra diferença é que hoje em dia a banda não conta com uma vocalista feminina, mas duas! As letras são baseadas em fantasia, mitologia e ficção-científica, sendo um bom exemplo disso a letra de “Temple In Time”, uma faixa conceptual dividida em 5 partes e que se baseia na Ilha de Avalon e no Rei Artur. Além das duas vozes femininas temos ainda a oportunidade de ouvir a participação de DC Cooper em duas faixas (além de fazer coros noutros temas e co-produzir o disco com o guitarrista / teclista Rowen Poole). 80% http://www.persephonesdream.com/ / http://www.progrockrecords.com/

Puppet Show – The Tale Of Woe (2006): Após 9 anos da edição da sua estreia “Traumatized”, os Norteamericanos Puppet Show voltam à carga com o seu novo de originais “The Tale Of Woe”. O disco foi produzido pela própria banda, foi misturado por Terry brown (Rush, IQ, FM; Fates Warning) e foi masterizado por Peter J. Moore (Cowboy Junkies, Crash Test Dummies). O estilo da banda não foge muito daquilo que foi feito na década de 70 pelos nomes clássicos do género, Yes, Génesis, Van Der Graaf Generator, Rush, Emerson Lake & Palmer, etc, mas com uma aproximação ao Neo-Prog. Não haja dúvida de que são excelentes músicos mas, estes 6 temas aqui apresentados não fogem muito a aquilo que já se conhece do género. Não se aventuram muito, não experimentam coisas novas ou diferentes, não fazem fusões, é apenas mais do mesmo. Essa não é a ideologia inicial e básica do Progressivo. Prefiro então ouvir os clássicos. Mesmo assim, se gostam do vosso Progressivo old-school, sem muitas “invenções” ou fusões, este disco deve ser perfeito para vocês. 65% http://www.puppetshow.com/ / http://www.progrockrecords.com/

Shadow Circus – Welcome To The Freakroom (2007): Disco de estreia para os Norteamericanos Shadow Circus. Rock Progressivo teatral com influências dos Genesis dos inícios, com toques de Pop Britânica linha The Beatles. Há aqui e ali um certo gosto Country que a mim não me agrada nada. A voz então, soa a cantor Country meio desafinado. 6 temas em 45 minutos de duração. Não é nada de novo ou original, nada de surpreendente nem em termos de execução musical nem em termos de composição. Apenas para completistas que gostam de ter tudo o que é rotulado de Progressivo. Muito abaixo da média. Próximo! 40% http://www.shadowcircusmusic.com/ / http://www.progrockrecords.com/

Starcastle – Song Of Times (2007): Mais uma banda com som da velha escola mas com uma diferença, estes são mesmo da velha escola! Para quem não sabe, os Starcastle editaram 4 discos entre 1976 e 1978, os quais venderam entre todos mais de 1 milhão de exemplares. Depois de muitos anos voltam a juntar-se e começam a compor novos temas. Em 2004 o baixista / teclista Gary Strater deixa o mundo dos vivos mas a banda continua a trabalhar nos temas e acaba a gravação deste disco “Song Of Times”. Rock Progressivo típico da década de 70 mas com um som mais moderno. Não é o melhor disco de Prog Rock de sempre, mas é um bom disco e tem o espírito da já referida década. Afinal de contas eles estiveram “lá” e fizeram parte de tudo! Para os fãs da velha escola e dos Starcastle. Nota de destaque para o tema “Master Machine”, grande malha de Rock Sinfónico. 75% http://www.starcastlemusic.com/ / http://www.progrockrecords.com/

The Third Ending – The Third Ending (2007): Disco de estreia para esta banda da Tasmania. Influências assumidas de nomes como Porcupine Tree, Pink Floyd, Spock’s Beard e Dream Theater. Há aqui algumas boas ideias mas apenas isso não chega, ainda têm muito trabalho pela frente. Na globalidade o disco é desinteressante e monótono e o facto de ter uns longos 54 minutos de duração não ajuda nada. Uma autêntica perda de tempo! 35% http://www.thethirdending.com/ / http://www.progrockrecords.com/


PROGROCK RECORDS: http://www.progrockrecords.com/

RDS

MANITOU MUSIC

Nesta crítica tenho 7 edições da Francesa Manitou Music para vos apresentar. Por ordem alfabética, os primeiros são os Akroma e o seu disco “Sept” (MM 2006). “7” é um disco baseado nos 7 pecados mortais, com 7 faixas, cada uma com 7 minutos de duração, onde são usados 7 diferentes tons, tendo também 7 guitarristas convidados de bandas francesas (além de instrumentistas orquestrais como p.ex. um flautista). Esta é uma all-star band da cena Francesa com membros e ex-membros de bandas como Scarve, Dying Tears, Mortuary, Elvaron, In Terria e Akin. Black metal orquestral de contornos progressivos. A música dos Akroma descreve-se na nota de imprensa como uma fusão entre Cradle Of Filth e Dream Teather. Não iria tão longe mas, a descrição pode dar-vos umas pistas. Aliem a essa descrição uma dualidade voz masculina tipicamente Black Metal (que se torna algo monótona ao fim de um tempo) e feminina angelical. As letras são em francês, o que lhe confere uma aura extra de misticismo. Recomendo. 80% http://www.akroma-metal.net/

Seguem-se os Amphitryon e “Sumphokeras” (MM 2006). A nota de imprensa apresenta a música dos Amphitryon como Symphonic Avantgarde Doom Death. Imaginem os My Dying Bride, Septic Flesh e Therion a compor e tocar no espírito dos compositores clássicos. Resumindo, como base temos uma sonoridade Death / Doom, aliada a uma maneira de compor própria dos compositores clássicos e ritmos tribais, com o aliar de vozes líricas masculina e feminina às típicas vozes guturais Death Metal. À partida o conceito pode parecer difícil de concretizar mas a banda até consegue obter algum resultado satisfatório. Mesmo assim, precisam de mais um pouco de trabalho. 65% http://www.amphitryon-music.com/

Seguimos com os Black Rain. No homónimo “Black Rain” (MM 2006) alia-se o Hard ‘N’ Heavy dos 80s (Wasp, Twisted Sister, Motley Crue, …) com o Heavy / Power europeu (Stratovarius, Hammerfall, …) em 9 temas acima da média. Alia-se, pois, a crueza do som Americano com a melodia do Europeu. Simples, directo ao assunto, sem pretensões de ser a nova coqueluche do Heavy Metal mundial. Títulos como “Gods Of Metal”, “No Life Till Metal” ou “Battlegrounds”, p.ex., reflectem a parte instrumental na perfeição. Heavy Metal! 80% http://blackrain.atspace.com/

DSK “Oppressed / Deformed” (MM 2006). Death Metal meets Hardcore meets Grindcore meets Rock’N’Roll. Pode ser esta a descrição para a música destes Franceses DSK. Uma mistura de todos estes géneros que resulta num disco pleno de brutalidade, velocidade e groove. Imaginem uma fusão das partes mais groovy dos Entombed, Gorefest, Dismember, Bolth Thrower e Convulse(rip). Nada de novo ou original mas bem feito. Gostei. Como bónus temos ainda dois vídeos ao vivo. 75% http://www.ultradsk.com/

Depois de um disco em edição de autor e outros dois pela Adipocere, os Ellipsis lançam este novo “Imperial Tzadik” (MM 2006) pela Manitou. O disco foi produzido e misturado por Terje Refsnes (Morgul, Theatre Of Tragedy, Tristania, etc) e tem como convidado especial o vocalista Tore Otsby (Ark, Conception). A música da banda é uma espécie de Progressive / Avantgarde Metal bem esquizofrénico com toques orquestrais e influências Doom. Gostei muito do que ouvi. Para fãs de nomes como Arcturus, Winds, Solefald, And Oceans, Devin Townsend, etc. 90% http://www.ellipsis-music.com/

“Spleen Metal”. Não sei onde é que as pessoas vão buscar estas designações, mas é assim que a música dos Kemet é descrita na nota de imprensa que acompanha “The Rules Of Equilibrium” (MM 2006). Para vos facilitar a compreensão da música dos Kemet, eu diria que tocam Dark / Alternative / Progressive Metal. Pain Of Salvation, Arcturus, Evergrey, Three, etc, podem ser bandas de referência. Inovadores, emotivos, melancólicos, melódicos mas obscuros quanto baste, passagens progressivas e ambientais, samplers complementares. Gostei do terceiro disco destes Franceses. Vale a pena experimentar. 90% http://kemetmusic.free.fr/

Última banda e último disco. M.Z. “Nostalgic Heroes” (MM 2007). O 5º disco para os M.Z. Primeiro com um vocalista. Os M.Z. praticam um Metal Neoclássico na linha de Yngwie Malmsteen, Royal Hunt, Narnia, Symphony X, At Vance, etc. Não difere muito das bandas atrás descritas, fusão de Heavy / Power com composições de origem clássica / neoclássica. O que está aqui está muito bom mas, é mais do mesmo. Apenas para fãs do estilo. 75% http://www.mz-music.com/

Manitou Music / Thundering Records: http://www.thundering-records.com/

RDS

Minsk - White Wings (Relapse 2007)

Unearthly Trance - Permanent Ice (Relapse 2006)